"Île modèle, Manman zile, Island Template est le catalogue de l'exposition monographique de Tessa Mars présentée du 31 mai au 29 juin 2019, par le Centre d'Art à la Maison Dufort à Port-au-Prince.
Le travail de Tessa Mars est traversé d'influences caribéennes et s'inspire des maîtres de la peinture haïtienne tel Hector Hyppolite. Son oeuvre, marquée par une quête identitaire, se nourrit d'histoire tant personnelle que nationale, des dynamiques insulaires, de la violence sociétale et questionne sa position de femme dans ce contexte.

Textes de Barbara Prézeau-Stephenson, Veerle Poupeye, David Frohnapfel.
Entretiens avec Christopher Cozier, Carlo A. Célius.

Ragnar Kjartansson compose une oeuvre singulière à la croisée de la performance et du cinéma, de la sculpture et de l'art lyrique, de la peinture de plein air et de la musique. Il produit régulièrement de vastes projets interdisciplinaires dont la réalisation implique souvent plusieurs participants - acteurs, musiciens, amis et membres de sa famille. Éprouvant les mécanismes du spectacle et les ressorts de la tragédie, Ragnar Kjartansson parvient conjointement à faire advenir une émotion à travers des gestes mélodramatiques et à révéler la réalité qui se joue dans les fondements de toute interprétation. Par la répétition, véritable motif de son oeuvre, Ragnar Kjartansson éclaire l'effort à l'oeuvre et la théâtralité de la vie quotidienne.

Livre publié à l'occasion de l'exposition personnelle de Ragnar Kjartansson au Palais de Tokyo, « Seul celui qui connaît le désir », 21.10 2015 - 10.01 2016 Lire la suite Fermer

Avec plein de souvenirs, quelques pixels et une bonne dose de malice, Michel Jaffrennou, pionnier de l'art vidéo, nous raconte deux décennies agitées par les électrons.
Mais « Jouer avec la vidéo » n'est pas qu'une histoire d'écran, c'est l'invention d'un spectacle. Un spectacle vivant dont Alain Carou, commissaire de l'exposition éponyme à la BnF, nous dit dans la postface à cette édition qu'il est la clé de l'oeuvre de Michel Jaffrennou.

« Il y a de l'eau dans sa tête : j'imagine, l'accumulation de dix années jour et nuit en plein air lorsqu'elle était postée dans un champ près d'Aytré où nous l'avons trouvée. Elle arrive dans mon atelier avec un escargot collé au coin de l'oeil gauche et son intérieur est truffé de coccinelles. Les tâches sont peintes à la bombe grossièrement et l'usure du temps a ajouté sa couche désolante. Une restauration complète s'impose. (...)
Nous entrons dans le ventre de la girafe par la trappe d'origine juste assez grande pour y passer son buste juché sur la plateforme. Munie d'une lampe électrique, la visite peut commencer. »

À la suite de Éblouissement, volumes 1 et 2 (récoltes photographiques de fleurs des champs et des jardins), Florence Chevallier nous dévoile Le Jardin d'Oiseaux. Un jardin de couleurs et d'étoffes pour séduire les mésanges, rouges-gorges et autres oiseaux de passage, mais qui cache aussi l'abri voluptueux du prédateur, le chat noir qui guette ses proies.
Ce livre révèle « un monde darwinien et poétique (...) de la grâce saisie dans la menace de mort », écrit Christiane Vollaire dans L'expérience de la saturation, texte qui accompagne les photographies de Florence Chevallier.

Des fleurs des champs et des fleurs des jardins récoltées photographiquement furent ensuite chargées d'intensité lumineuse et de couleurs saturées créant un trouble, un étonnement, liés à la révélation d'une nature « surnaturelle ».
La photographie et ses modifications numériques traduisent l'élément naturel en un langage visuel pictural qui nous éloigne par ses artifices d'une transcription du réel trop objective.
Un effet de merveilleux, d'éblouissement apparait. Il accentue la dimension onirique et magique des fleurs saisies dans leur contexte - champs, ciel, soleil couchant, jardin - et les conduit vers une iconographie poétique et lyrique, dont les éléments, a priori simples, sont portés à une certaine incandescence. Florence Chevallier, Saint-Germain-des-Prés, août 2020.
Volume 2 avec un texte écrit et lu par Frédéric Khodja.

Donner la parole aux artistes, et leur proposer de partager l'intimité de leur réflexion est au coeur des leçons inaugurales du Collège international de photographie. Dans le cadre prestigieux du musée du Louvre, nul mieux que Christian Milovanoff ne pouvait nous offrir une voix autant qu'un regard sur la création. L'artiste a dépassé nos attentes en réalisant de toute pièce une oeuvre qu'il a performé devant un auditorium comble. Pour celui qui a réalisé son premier livre intitulé Le Louvre revisité (1986) précisément en ces lieux, montrant ce que la photographie a de commun avec toute l'histoire de l'art, et qui y a exposé ses oeuvres en 2007-08 avec Suites, photographier les oeuvres est faire oeuvre. Mais la leçon dit bien plus encore, et nous entraîne dans toute la création de Christian Milovanoff, jusqu'aux surpenants travaux réalisés dans les zoos d'Europe.
Celui qu'un jour j'ai qualifié de « portraitiste de l'art », vous emmène sur les chemins de la vie et de la connaissance, dans l'intimité épique d'une existence tout entière façonnée au contact des oeuvres. En enregistrant et en produisant cette leçon magistrale, le Collège international de photographie en partenariat avec les éditions Naima souhaite partager une leçon devenue une oeuvre. Michel Poivert Lire la suite Fermer

« Je me suis mise à chercher une figuration dans le gros oeuvre laissé par les ouvriers en construisant le nouveau pont... Des cailloux lisses bien calibrés apparaissent dans l'absence de mortier. Je reste de longues minutes à observer les aspérités de la paroi verticale.
Au début je ne vois rien.
Je me concentre, je cligne des yeux.
Mes intentions s'ajoutent à des formes qui existent déjà. Des visages, une barque, des poissons, un cheval et un cavalier masqué, des mains qui s'accrochent aux rochers, des yeux qui pleurent. Tout apparaît au fur et à mesure du temps que je passe à regarder le mur. »
Ce livre comprend 69 pages avec des textes courts, une vidéo et 43 photographies.
Ouvrage au format optimisé pour nos téléphones portables, mais adapté aussi aux plus grands écrans de nos tablettes et ordinateurs. Lire la suite Fermer

Le laboratoire de recherche La Céramique comme expérience (CCE) de l'École nationale supérieure d'art de Limoges pratique la recherche solidaire en un espace de croisement de compétences et d'idées reposant sur l'énergie et la porosité des rencontres. C'est sur ce modèle qu'a été conçue l'exposition Formes vivantes, au Musée national Adrien Dubouché, à Limoges, où artistes, chercheurs et intervenants partenaires du laboratoire de recherche ont été rassemblés autour de formes en porcelaine. Ce livre est l'occasion d'opérer un retour documenté sur une pratique collaborative et poétique de l'art et de la recherche en céramique, tout en proposant un focus sur les travaux particuliers de cinq artistes figurant dans l'exposition Formes vivantes : Camille Reidt, Amandine Maillot, Philippe Bazin, Ludovic Mallegol et Michel Paysant. Lire la suite Fermer

Bleu Bleu documente l'exposition d'Agnès Rosse au Crac_Occitanie à Sète du 12 au 16 août 2020 pour le programme Canal Royal en partenariat avec Mécènes du Sud Montpellier-Sète.
En plus de présenter une série d'objets, de peintures et de sculptures en bois, verre, céramique, métal, l'artiste réactive une installation réalisée en 2004 et filmée en vidéo intitulée Résidence : Aquariums d'eau de mer. Six bernard-l'ermite, deux poulpes, douze crevettes et quinze oursins sont en résidence au Crac dans six aquariums. « Pas de visées scientifiques dans cette installation. Je collabore avec une force qui m'échappe, de passage dans ma vie d'artiste. J'invente un contrat avec moi-même pour créer un dispositif simple de mise en résidence d'animaux marins faciles à trouver, faciles à relâcher et faciles à nourrir, loger et blanchir. Je les filme en direct et fais défiler de grands tableaux vivants parmi mes oeuvres plastiques. »
Ce livre comprend 55 pages avec des textes courts, un film de six minutes, une courte vidéo et 38 photographies.
Ouvrage au format optimisé pour nos téléphones portables, mais adapté aussi aux plus grands écrans de nos tablettes et ordinateurs. Lire la suite Fermer

À la fois catalogue d'une exposition et actes d'un colloque qui se sont tenus tous deux à Marseille en 2018-2019, ce livre fait le point sur les travaux d'un groupe d'artistes, de scientifiques, de philosophes et d'historiens réunis autour de l'étude des formes du vivant.

Publié par Louvre Abu Dhabi en collaboration avec France Muséums et le Centre Pompidou, ce catalogue d'exposition examine comment certains artistes du xxe siècle ont cherché à établir un nouveau langage visuel en associant le texte et l'image. En réponse aux évolutions rapides de la société, ils se sont tournés vers les traditions orientales et ont rompu avec les conventions figuratives. S'intéressant au mouvement artistique de l'abstraction et la manière dont les artistes se sont inspirés des premières formes d'écriture, notamment la calligraphie, ce catalogue est une rare occasion d'explorer l'oeuvre de maîtres modernes tels que Henri Matisse, Paul Klee, Joan Miró, Lee Ufan, Dia Azzawi, Lee Krasner ou Jackson Pollock, aux côtés de pièces contemporaines et de calligraffiti monumentaux de Mona Hatoum, eL Seed et Ghada Amer. Lire la suite Fermer

Sous la direction d'Indiana Collet-Barquero, professeure d'histoire du design, les étudiants de l'École nationale supérieure d'art de Limoges (Ensa) interrogent des figures majeures du design contemporain. Formation, pratique, technique, orientation esthétique ou politique sont autant de points d'accès au travail de création, autant d'occasions de mener des recherches en vue d'élaborer un propos.
Cette édition restitue les échanges menés avec Martin Szekely et constitue une parfaite introduction au travail du designer.

Sous la direction d'Indiana Collet-Barquero, professeure d'histoire du design, les étudiants de l'École nationale supérieure d'art de Limoges (Ensa) interrogent des figures majeures du design contemporain. Formation, pratique, technique, orientation esthétique ou politique sont autant de points d'accès au travail de création, autant d'occasions de mener des recherches en vue d'élaborer un propos.

Le musée départemental de la céramique à Lezoux (Puy-de-Dôme) accueille une oeuvre monumentale et sensorielle de Nathalie Talec, "Le Secret du monde", accessible à tous et en particulier aux personnes déficientes visuelles.
Les visiteurs entrent dans cette sculpture, conçue comme un cerveau géant modulable et transportable.
"Le Secret du monde" est un terrain d'expérimentations et promet une plongée sensible à l'intérieur de l'oeuvre. Le spectateur abandonne le monde du dehors, pour se livrer à l'observation et au contact du monde du dedans. Pénétré, enveloppé, immergé, sollicité, le spectateur vit une expérience d'immersion physique, sonore et odorante.
Ce livre numérique présente l'oeuvre de sa genèse et sa conception à son installation dans le musée. Ce livre au format epub 3 est accessible aux personnes porteuses d'un handicap sensoriel. Lire la suite Fermer

Wild flowers and flowers from gardens gathered together by means of photographically are flooded with luminous intensity and saturated colours creating confusion and astonishment, related to the essentially `supernatural' revelation.
Photography and the digital modifications it permits interpret the natural components into a pictorial visual language that distances us through its artifices from an overly objective transcription of reality. A sense of something heavenly, bedazzlement emerges. It highlights the dreamlike and magical dimension of the flowers captured in their usual environment - fields, sky, sunset, garden - and steers them towards a poetic and lyrical iconography, the a priori simple elements of which are lent a certain incandescence.
Florence Chevallier, Saint-Germain-des-Prés, August 2020.

Sous la direction d'Indiana Collet-Barquero, professeure d'histoire du design, les étudiants de l'École nationale supérieure d'art de Limoges (Ensa) interrogent des figures majeures du design contemporain. Formation, pratique, technique, orientation esthétique ou politique sont autant de points d'accès au travail de création, autant d'occasions de mener des recherches en vue d'élaborer un propos. Cette édition restitue les échanges menés avec Gilles Clément et constitue une parfaite introduction au travail du jardinier, paysagiste, botaniste, entomologiste, biologiste et écrivain.

Il s'agit dans cet ouvrage de rendre compte du projet artistique en tant que resultat d'interactions complexes entre des personnes, materiaux, techniques et pratiques et de restituer aussi bien la conception que la realisation de l'exposition. Cette publication hybride fait suite a l'exposition « Typoeticatrac. Les mots pour le faire » du graphiste Pierre di Sciullo qui a eu lieu, sous le commissariat de Francesca Cozzolino, au Bel Ordinaire a Pau au printemps 2017.
Dans l'exposition, les visiteurs etaient invites a completer une phrase, deviner une ecriture secrete ou activer des machines sonores.
Cet ouvrage vise a reproduire la manipulation des oeuvres au moyen d'une remediation des principes des pieces originales. Des gestes interactifs proposeront au lecteur du livre numerique une experience sensible proche de l'emerveillement ou de la surprise.
Outre le changement d'echelle et de format, il s'agit de tirer parti des possibilites interactives des supports et ecritures multimedias pour proposer de nouveaux modes d'analyse et de restitution de la creation en design graphique.

L'ouvrage est concu en trois parties : une approche materielle et processuelle du projet de creation tout au long de son elaboration ; les recherches de Pierre di Sciullo sur la relation entre le son et le signe typographique ; une analyse ancree dans l'anthropologie de l'art et des techniques et ainsi que des portraits interactifs des « machines sonores ».
Cette publication repose sur une articulation inedite entre design et sciences humaines et sociales et sur une reflexion sur les nouvelles formes de publication pour decrire la creation. Ouvrage collectif dirige par Francesca Cozzolino, publie et distribue sous forme numerique et interactive au format ePub par l'editeur Art Book Magazine dans la collection liteal dirigee par Lucile Haute. L'ouvrage et la collection sont concus au sein d'EnsadLab, le Laboratoire de recherche en art et en design de l'Ecole des Arts Decoratifs, Paris.
Auteurs et autrices : Francesca Cozzolino, Arnaud Dubois, Lucile Encreve, Julien Gineste.
Photographies et video : Hortense Soichet.
Conception interactive et graphique : Benoit Verjat et Quentin Juhel.
Developpement : Sylvie Tissot. Lire la suite Fermer

Première monographie consacrée à l'un des studios indépendants de création graphique français les plus reconnus, cet ouvrage de référence propose une analyse originale et inédite de leur travail autour de mots clés : Composer, des cartouches, fluorescences, cadrer, imager, à la marge, éclairer... Il s'intéresse à leur créations culturelles et corporate mais aussi aux données statistiques de productions, à la fabrication des image et tente de définir ce qui, au-delà d'un style, est devenu avec le temps une marque de fabrique, une direction graphique.
Que peut-on voir si on regarde mieux les objets graphiques pensés par ABM Studio ? C'est-à-dire les approcher dans le détail, sans les tenir éloignés les uns des autres comme ils nous apparaissent dans la vie.
Ce livre, conçu par les designers graphiques Huz & Bosshard, s'essaie à cet exercice patient en partant des images produites par le studio ces dernières années ; un éclairage qui dialogue avec les points de vue d'Élodie Boyer et Pierre-Yves Cachard. Lire la suite Fermer

Première monographie de l'artiste qui fait des états du corps en mutation le territoire de ses recherches, entre désirs et souffrance : un livre-objet non pas chronologique ou descriptif, mais davantage tourné vers l'intimité d'un processus de création, conviant le lecteur à s'immerger dans un geste pictural et à plonger dans le quotidien d'un atelier.

Entre l'âge de sept ans et vingt ans, Sarah Jérôme exerce la danse quotidiennement. La danse classique appelle à un dressage du corps, une discipline que l'artiste a peu à peu refusée et abandonnée. En 2008, elle décide de se plonger dans le dessin, la peinture et la sculpture. Le corps constitue la colonne vertébrale de sa réflexion plastique. Des ramifications s'opèrent vers d'autres territoires comme le temps, la mémoire, le paysage et la matière. Ses oeuvres génèrent des impressions contradictoires. Si la danse représente une source de jouissance et de beauté, elle renferme aussi la douleur, la privation et la soumission. La grâce y est synonyme de torture.

Cette monographie est une invitation à la découverte du regard d'une artiste qui retranscrit le monde à travers un spectre à la fois poétique et critique dans une esthétique de la dissonance. Au moyen de media protéiformes comme le dessin, la peinture, la sculpture ou l'installation cet ouvrage est le témoignage d'une démarche qui sensibilise le spectateur à une vision tapissée de zones grises d'une troublante attraction.

« Un rapport dichotomique que Sarah Jérôme distille dans son oeuvre en opérant à des frottements entre la séduction et la répulsion, l'étonnement et l'effroi, le rêve et le cauchemar, la délicatesse et la brutalité. Elle explore un espace entre-deux, deux états, deux sentiments, deux moments. Son oeuvre engendre une vision plurielle de notre histoire, des relations humaines et de nos relations à la nature. Entre épanouissement et aliénation, l'artiste sonde la matière humaine pour en extraire les trésors monstrueux. »

Sarah Jérôme est née en 1979 à Rennes, elle vit et travaille à Montreuil. Diplômée du conservatoire national supérieur de danse de Paris en 1998, elle fait un passage à l'Opéra national de Lyon puis se tourne vers les arts plastiques et étudie à l'école nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris.
Son oeuvre engendre une vision plurielle de notre histoire, des rapports humains et de notre relation à la nature. Lire la suite Fermer

Graphiste est un mot épicène.
Épicène : adj. dont la forme ne varie pas selon le genre.
Épicène comme le prénom Cassandre, le nom de scène que se choisira un des fondateurs du design graphique.
Variations épicènes se concentre sur les processus d'émergence des projets, sur la pratique de graphistes autrices, à l'oeuvre.

Dans des temps troublés et troublants, il est d'autant plus précieux d'affirmer le design graphique comme un « acte culturel à part entière ». À part entière, sans le couper de sa réalité contextuelle, collaborative et de son rôle de « porteur public de message ».
Sans une tenue graphique, nos sommes de connaissances, nos flux de données, nos récits, nos institutions culturelles, publiques, nos systèmes d'orientations s'étiolent, liquident à un système marketé les idées de partage, de transmission, d'émancipation. Les graphistes donnent, ils ont donné une dimension singulière, souvent symbolique, parfois universelle, à tant de nos objets, culturels ou du quotidien. Leurs conceptions consolident tout matériau lisible et visible.

Le design graphique est un maillon relieur dans un ensemble culturel, sociétal et technique de plus en plus complexifié. Il est si peu (visible, appréhendé, rémunéré) et pourtant, il est décisif. Il est un acte conscient, non d'une quelconque souveraineté (héroïque), mais de la nécessité d'une pratique réflexive.

Les graphistes français.es luttent pour que leurs actes culturels ne soient pas bradés, éclipsés voire des lettres mortes. Le graphiste Cassandre est devenu, dès les années 1930, un symbole de cet engagement. Chaque génération reprend à sa manière ces revendications pour que le graphisme contribue à transmettre, penser, structurer, traduire, commenter, parfois résister et transgresser. Derrière ces actes culturels, dont souvent on ne mesure pas la force, il y a des actrices, fortement impliquées. Ici, en France, depuis des décennies.

Variations épicènes est une tentative de réponse à une commande claire de la MABA : une exposition collective de graphistes femmes. Cette publication documente cette exposition Lire la suite Fermer

Entre 1995 et 2000, Jean-Pierre Vielfaure (1930-2015) a régulièrement résidé au Domaine de Kerguéhennec. Il a rassemblé, dans des Carnets (photos, collages, dessins et annotations), une mémoire du lieu dans l'effervescence de son activité artistique et des traces de son passé historique et architectural avant les travaux de restauration. Illés Sarkantyu propose une interprétation de ces Carnets dans une mise en forme inédite, poursuivant ainsi son propre travail de « collecte » sur l'histoire du Domaine.

Le zoo vidé est un projet d'artiste sur les grands mammifères terrestres que je suis allée visiter dans les zoos, dans leur milieu naturel et au Muséum national d'histoire naturelle. C'est un ensemble protéiforme qui mixe textes, vidéos, dessins, peintures, objets réalisés dans divers lieux entre 2009 et 2018.
D'abord au zoo de Vincennes, fermé au public et en cours d'évacuation, je réalise de grands dessins sur les murs dans le bâtiment des éléphants. Avec l'Association de sauvegarde des girafes du Niger, je pars dessiner les girafes dans leur milieu naturel lors d'une mission internationale composée de différents directeurs de parcs zoologiques français. Au BioParc de Doué-la-Fontaine et au ZooParc de Beauval, je filme les lions, les girafes et les éléphants en captivité. Au Muséum national d'histoire naturelle de Paris, au Hangar de taxidermie, je moule le crâne et le cou d'une girafe mâle. Au laboratoire d'anatomie comparée, j'assiste à l'autopsie de Tubo, l'orang-outan de la ménagerie du jardin des plantes, à son montage en taxidermie et en ostéologie. Lorsque les deux éléphantes d'Asie ont quitté le zoo d'Amiens pour un autre parc, leur éléphanterie est devenue mon atelier pendant deux mois avant sa démolition totale.
Le zoo vidé est devenu un livre par l'évidence de ne pouvoir tout retranscrire plastiquement et peut-être aussi parce que tous les animaux évoqués sont liés à l'humain, à nos mots et notre monde. Agnès Rosse Lire la suite Fermer

"Composter peinture moderne et photosynthèse, molécules, robots et microbes : tel pourrait être le nouveau visage d'un art qui, à l'ère de l'image éclatée et alors que l'histoire des modernes est révolue, s'inventerait des mondes pour raconter la tradition des images.
Sorte de spéculation fictionnelle autour de la représentation, du pictural et de la peinture aujourd'hui, ce livre numérique lance une série d'hypothèses face à la question « Pourquoi la peinture meurt-elle ? ». Tout en empruntant à des formes aussi variées que l'écriture, le script, le dessin numérique, le live cinema, la captation vidéo, le sketch, la performance drolatique, le stand-up painting, le tableau vivant, ou encore l'expérimentation télévisuelle, cet ouvrage présente une nouvelle scène de jeunes peintres expérimentaux.
Tentant d'opérer ce que Kandinsky appelait la « synthèse des arts », Pourquoi la peinture meurt-elle ? est la partition orchestrée par Alain Doret et David Legrand lors de la journée d'étude éponyme organisée à l'Ensa Limoges le 5 février 2019 sur un plateau d'art vivant." Lire la suite Fermer